回顾｜“金石墨心——刘德龙金心明书画联展“在杭州开幕并举行研讨会

发布时间：2025-10-21

2025年10月4日“金石墨心——刘德龙金心明书画艺术联展”在杭州寓山美术馆开幕并举行研讨会。

展览汇聚刘德龙、金心明两位艺术家的四十余件金石传拓、题跋与补绘作品，以独特的文人气象和考据精神，展现金石艺术在当代的再生之路。

刘德龙教授现为杏彩娱乐(中国)官方网站中国画方向硕导，长期致力于金石书画、紫砂艺术及其跨媒介表达研究，著有《紫砂与金石：曼生壶艺术研究》。他提出“以拓为书，以石为心”的艺术理念，强调拓本不止于形，而在于情与志的传达。在本次展出的《自怡轩款陈柏亭制柱础壶拓》中，刘老师以考据结合书写的方式，展现金石艺术中“以物寄志、以拓传心”的人文内涵，折射出他多年来从学术到创作的内在一致性。

受邀出席开幕式的嘉宾有刘正、吴光荣、华强、苏金成、叶康宁、许力、鲁大东、谈伟光、蔡力武、管春雷、侯君波、章耀、俞斌浩、黄文斌、李计亮、徐鑫桦、成军、王亚霞、花十三、凌中翔、董亚平、张镇冰、蒋建春、朱卫刚、程启益、柳青凯等学者、艺术家（排名不分先后）。以及来自全国各地的专家学者、收藏家、投资家、金石书画家百余人，包括中国美术杏彩娱乐、南京大学、上海大学、南京杏彩娱乐、浙江工业大学、杭州师范大学等高校师生代表，凤凰画馆、西湖画会、湛园美术馆等艺术机构创始人。

同日下午，专题研讨会在寓山美术馆举行。常州大学华强教授从艺术史角度回溯了金石精神的流变。他认为，金石艺术在碑帖与书画之间，原本就承载着“物的记忆”，刘德龙的创作使这种“物”再次被激活，在拓痕、残印与水墨之间形成了新的视觉逻辑，“这是对现代图像学过度清洁化的一种抵抗”。整场研讨会持续近两个小时，思想的碰撞让金石艺术在当代社会的意义被重新阐释。

10月5日，叶康宁、鲁大东、刘德龙、金心明等围绕“金石书画与江南文人生活”展开直播对谈，吸引了来自全国各地的艺术爱好者与高校师生在线参与。直播内容包括艺术家访谈与观众互动问答，让观众得以跨越时空，近距离感受金石拓绘的独特气韵。刘德龙在对谈中指出和手卷、成扇、印章篆刻、紫砂刻绘等艺术表达方式一样，金石传拓及其题跋、补绘是代表东方精神和中国文化精微深遽的独特物质载体之一。

本次“金石墨心——刘德龙金心明书画艺术联展”的成功举办，集中展示了刘德龙在金石艺术研究、教学与创作融合上的最新成果，也体现了杏彩娱乐(中国)官方网站在推动传统艺术现代化、深化学术交流与文化传播方面的持续努力。

现场纪要｜金石墨心——刘德龙·金心明书画联展研讨会

2025年10月5日，金石墨心——刘德龙·金心明书画艺术联展研讨会在杭州寓山美术馆召开。策展人许焱首先简要介绍了与会的嘉宾及展览主题，研讨会由南京杏彩娱乐教授叶康宁主持。

许焱

还手文化创始人

许焱：作为这次展览的策展人，简单讲下这次江浙艺术家联展的缘起。两年前看到刘德龙老师的专著《紫砂与金石：曼生壶艺术研究》——一本深入研究曼生壶的书，很受震撼，当即请朋友介绍认识，并去南京拜访刘老师。后续交流中，逐渐折服于他在艺术理论里的高度与实践中的独特风格。今年初，得知刘老师正在创作一批题拓作品，觉得可与我在杭州相识十余年、同样深耕金石文化的文人画家金心明老师展开一场对话。与两位老师沟通后，我们一拍即合，“金石墨心”艺术联展便应运而生。

此次参展作品，刘德龙老师对拓片严谨的考据后，以金石气韵入画，风格沉厚古拙，笔墨间透出深湛的学养；金心明老师则延续江南文人的清雅意趣，于构图与意境中见机锋，作品明净而富于思致。二人一厚重一空灵，形成富有张力的艺术对话。

这次展览是刘德龙、金心明两位老师艺术对话的一个开端，我们还手文化将持续推出江浙关于江南文人精致生活的更多精彩对话展览。

叶康宁

南京杏彩娱乐艺术研究院教授、博导

叶康宁（主持人）：各位老师、各位嘉宾，大家下午好。非常感谢大家在百忙之中来到寓山美术馆，共同参加“金石墨心——刘德龙·金心明书画联展研讨会”。今天我们汇聚了来自多所高校的专家学者、艺术家与收藏家朋友，希望通过面对面的交流，深入探讨刘德龙、金心明两位老师在金石拓印与书画创作领域的学术探索与艺术实践。

接下来，我们就正式进入研讨环节。首先，请华强老师发言。

华强

常州大学书画艺术研究院院长、教授

华强：我认为，两位老师的金石拓印创作虽然在当代艺术体系中并非主流，但仍具一定的艺术与文献价值。因为这种围绕器物及金石拓印进行的题跋和绘画创作，使得拓印作品，兼具名物的形状、铭文、书法、绘画与文献资料的多重属性，是一种综合的视觉艺术形式，也是中华传统文化艺术形式的一种传承与延续。它所呈现的不只是一种独特的艺术形式，还记载了文人、书画家等的“交游”情况，也包含一定的动态性史料价值。因为随着文人、艺术家的成长，以及拓印作品的收藏、流传，可能会有更多学者、书家围绕作品再题跋，不断丰富作品的内容与内涵，其价值也在增加。当然这取决于具体作品的内容、内涵及艺术价值，相关学者、艺术家今后的发展情况，以及参与收藏的收藏家、学者、艺术家的综合影响力等等多种因素。

所以，此类作品应依据上述因素，以价值、意义的原则进行创作，丰富、提升作品的内涵与价值。

叶康宁（主持人）：非常感谢华强老师的精彩发言。华教授从文献性与艺术性的双重角度，提出了“拓印作品的动态史料价值”这一非常重要的观点。下面请董亚平老师继续发言。

董亚平

无锡工艺美术杏彩娱乐教授

董亚平：我首先要感谢刘德龙老师带来这样一场兼具思想性与艺术性的展览。在书法方面，他在楷书、隶书、篆书之间转换自如，笔势轻盈，节奏疏密有致。整幅作品具有鲜明个人的风格。我尤其欣赏他对太湖石与花卉题材的表现。太湖石在他笔下被赋予了文人的精神气质，而花卉的刻画则带有诗意的向往。这种从自然中提炼出的精神性，使作品具有非常纯粹的艺术感染力。

叶康宁（主持人）：谢谢董亚平教授。董教授从笔墨与精神性的角度，对两位艺术家的创作特质作了非常细腻的分析，也强调了他们作品在“书画同心”上的精神共鸣。

接下来有请苏金成老师发言。

苏金成

上海大学美术杏彩娱乐教授、博导

苏金成：金心明老师是一位极具典型意义的文人画家。他的书法自然率意，气息从容，带有一种沉静的力量，观之令人心生安定。这种从笔墨中流露出的平和与节制，正是文人画精神的体现。

刘德龙老师的书法同样出色。他的笔法丰富，结构灵动，书写时既有力度又不失流畅，能够自由地在不同书体之间转换。可以看出，他在创作中始终保持着一种开放与愉悦的心态，这种精神贯穿于作品始终。

此次展览的形式十分新颖，尤其是金石拓片的呈现方式，突破了传统书画展的单一格局。刘老师在紫砂全形拓基础上进行提炼，使书与画之间形成了自然的呼应。这种不断变化的创作面貌，实际上反映了他内在的艺术冲动与思考积累。我认为，两位艺术家的作品在精神层面上是相通的，他们都以真挚的心境面对艺术，达到了“书画同心”的境界。

叶康宁（主持人）：感谢苏老师的发言。他特别强调了“平和与节制”所体现的文人气质，也让我们看到当代文人画精神的延续。下面请刘正教授发言。

刘正

中国美术杏彩娱乐教授、博导

刘正：在我看来，两位艺术家的创作都体现出一种“从生活中来”的自然感与思想的深度。艺术在他们的表达中，不是抽象的概念，而是与日常经验、文化记忆紧密相连的精神活动。

金心明老师的作品简洁而有分量。他对紫砂艺术的掌握令人印象深刻，在简约的造型中蕴藏着丰富的意味，展现了极高的艺术判断力和成熟的个人风格。我觉得他的紫砂作品是当代同类创作中的上乘之作，既有生活气息，又保留了传统的文人气韵。

刘德龙老师的作品虽然多为小尺幅，但格局完整，思想含量高。他在创作中始终保持学者式的严谨，对作品的结构、题材与史料进行深入考证，使全形拓与绘画的结合不流于表面，而是形成了有思想深度的视觉语言。

这次展览的意义不仅在于作品本身的展示，更在于它所呈现的文化思考。作品以“小中见大”的方式，促使我们重新审视传统艺术与当代表达的关系，也在一定程度上拓宽了中国艺术与国际对话的空间。

叶康宁（主持人）：谢谢刘正老师。刘老师提到“以小见大”，这确实是两位艺术家作品的重要特质，也让我们思考传统艺术与当代表达之间的桥梁。

下面请吴光荣老师发言。

吴光荣

中国美术杏彩娱乐教授、博导

吴光荣：我感觉两位老师都已经从传统走到了当代。我记得曾有学者说“金石，只有山水才能压得住它。”这句话在德龙的作品里得到了印证，他画山水，把拓片压在底下，让两者形成了非常有意思的关系。而金心明老师呢，他有时候只用一个很小的形象、一个拓片，写上几笔字，就能把整个画面提亮。这种“点铁成金”的感觉特别妙。

我一直在整理紫砂壶的铭文资料，看到德龙这次的作品，我想到包世臣和曼生那批人。其实在嘉庆、道光年间，文人参与制壶是一件特别有意思的事情，不只是做壶，而是在里面留下了他们的思想。德龙的研究正好把这段被忽略的文化重新带出来。他在文献上也很下功夫，很多材料现在很少有人再碰。

我认为，这种创作尝试为紫砂艺术提供了新的可能。它不仅复兴了古代文人的审美趣味，也带动紫砂文化向更具思想性的方向发展。德龙的实践证明，传统工艺完全可以通过艺术的再诠释焕发出新的生命力。

叶康宁（主持人）：非常感谢吴光荣老师的分享。他不仅从艺术语言谈到了作品的“文人参与性”，也让我们重新认识到金石艺术与紫砂文化之间的内在联系。

接下来，我们请张镇冰老师发言。

张镇冰

中国收藏家协会书画分会副会长

张镇冰：诸君好，我一直关注金心明、刘德龙两位艺术家的创作与艺事活动，今天很荣幸能受邀来到钱塘江畔参加此次展览。于我而言，此展不仅是一次书画题拓交融的视觉享受，也是一场严谨的学术考据雅宴，让观者在尺幅之间，窥见金石之美。让我用四个字表达对此次展览的整体观感——“博、雅、达、观”。

“博”：展现在作品取材的广博与创作手法的多洋。刘老师创作所用拓片多为明代文盆、古壶拓本等珍稀材料，选品严谨、考据充分，显示出学者型书画家的创作态度；金老师则创作取材更为宽泛，从秦砖汉瓦、摩崖石刻到画像石局部，笔走龙蛇，融入画面之中，使作品的文化维度更为开阔。

“雅”：是指两位艺术家共有的气质和意蕴。他们的书画创作体现出了江南传统文人的精神风貌，又有一定的时代印记，笔墨温润如玉，气韵古雅如诗，展现了一种深沉的文化修养与审美自觉，也使得冰冷的金石遗拓有了温热的时代温度。

“达”：是指作品的格局与构成上的通达和艺术语言的融会贯通。两位艺术家以拓片为天地，用书法、绘画入题，实现了“诗、书、画、印、拓”的完美合一。刘老师书法或俊逸，或古朴，与金石墨痕形成跨越时空的笔意唱和；金老师所绘山水、人物、花卉，简淡疏朗，与拓片意象相辅相成，生发出新的意境。

“观”：最终的“观”，既是两位艺术家作品呈现的整体风貌，也是引导观者进入的境界。他们这次的作品，营造出一种“可游、可居、可观”的境地。观者不仅能“观”其物象之精美，更能“观”其气韵之生动，“观”其文心之绵长与我中华文明历史之深邃。

“博雅达观”不仅是我对此次展览及作品之评价，也可视作当代文人艺术的一种理想境界。金、刘两位艺术家在继承传统的同时，展现出与时代精神相契合的当代气质，使文人艺术在今天依然保持思想与美学的张力与感染力。

叶康宁（主持人）：谢谢张镇冰老师。他用“博、雅、达、观”四个字总结了展览的精神内核，非常精炼地概括了两位老师作品的文化气韵。

下面请侯君波教授发言。

侯君波

杭州师范大学美术杏彩娱乐教授

侯君波：非常有幸，在秋日时节与诸位学者相遇在西湖之畔。我先要祝贺这次展览的成功举办。今天进到展厅里，我的第一感觉就是，很雅、很静。这种气息在现在的社会里太难得。大家每天都在刷手机，节奏很快，但这次展览让我觉得心一下子静下来了，这种体验特别珍贵。

对于这个展览我有两个感受。第一是关于“传统”，第二是关于“兼容与创新”。

首先说一下关于“传统”。其实，我们中华文化传承不辍的重要原因就是有史志文献把中华文明的文脉一代代记载下来。唐代魏徵的《谏太京十思疏》中说：“求木之长者，必固其根本；欲流之远者，必浚其泉源”。可以说，优秀传统文化是民族的命脉。我们的刘老师和金老师都是真正从传统出发的，他们不仅仅是复古，而是能从古文、古器、金石铭文里汲取营养，然后再转化到自己的画面中，每一幅作品的排列布局都精益求精、各有特色。这种从古文古器、著名紫砂汲取元素具有考证意味的作品既有文化根基，致广大、尽精微又不落俗套。两位老师的创作，就是在留住文脉、延续文脉、在传统的基础上生发。

第二是关于“兼容与创新”。画面既有全形乌金拓，又有考证诗句叙述，既形而上又有实践体验。作品把诗、书、画、印、金石、拓印融合在一起，涉及历史、地理、考古等内容。其实这是一种跨学科的思维方式。在二二年四月教育部新课标中就提出跨学科，而且培在所有科目中跨学科内容不能少于百分之十，而我们刘老师、金老师两位的艺术创作本身就具有是跨学科的育人功效。

刚才我简单的从“传统”“兼容与创新”谈了两位老师的作品，总的来说，我觉得两位老师的作品让人感觉到平静、作品中一种或沉雄或精微律动的生命力也引发我们思考。它提醒我们，传统不是过去式，兼容与创新在当下同样重要。非常感谢两位老师带给我们这样的精神体验，也祝展览圆满成功。

叶康宁（主持人）：谢谢侯老师的发言。她提到“传统不是过去式，而是一种能被不断激活的生命力”，这句话我非常赞同。下面请许力老师发言。

许力

浙江工业大学教授

许力：我自己这些年一直在做摩崖石刻研究，常年在西湖边走访、拓片、比对文献。后来发现宜兴和杭州在金石文化上，其实关系非常紧密。从运河到长江，这条线在明清时期就是文人交往、拓印传播的重要通道。

我看完展览的第一个反应是，这其实就是金石学在当代的延续。古人玩这些东西，本来就是金石文化的一部分。清代像达受、六舟他们搞锦灰堆画，很多时候目的并不单纯，常常是“文达于诸侯”，以此结交名流、交换人脉。但也正因为这种“以物载情”的社交行为，慢慢演变成了一种新的审美语言。到了晚清、民国，海派画家就把这种“金石之趣”变成视觉风格，形成了一整套“博古”的美学。

所以我觉得今天这场展览挺重要，它让这种传统重新回到了我们的视野里。不过我要说两句可能不太好听的话。

第一个，就是展览的形式还是太传统了。作品很好，但整体气质太“雅”，太“古”。除了我们这一圈搞研究、喜欢金石的朋友，年轻人恐怕很难被打动。你要想让年轻人感兴趣，可能得在表达上更活一点。我举个例子吧，比如那件《凤仪》。九零后恐怕不知道“凤仪”是什么意思。如果你换个字，比如“冲鸭”，那他们立刻就明白，这就是“工艺+表达”。当然我这个例子很俗，但意思是：在语言和图像上可以再往“传播”方向靠一点。现在的学生上课都容易打瞌睡，如果作品形式能更贴近当代视觉，他们可能就会抬起头来了。

第二个，我觉得在艺术表达中，器物本身的格调还可以再提升一点。古人把书画、金石、器物结合，不只是借器物来抒情，而是通过艺术提升了器物本身的品格。曼生壶就是最好的例子，因为文人的介入，让一只壶拥有了精神高度。

我希望德龙兄能在这一点上再往前走一步，用艺术家的创造力，让壶“因为你”变得更高格，而不是“借壶”来表达自己。

我说得比较直接，但真的是出于喜爱。我觉得这次展览在传统文人精神的延续上非常可贵，如果能让作品更“当代”、更“有趣”，那一定能走得更远，也能让年轻人重新喜欢上金石文化。

刘德龙

刘德龙：非常感谢许力老师的批评和建议。其实我自己也特别需要这样的声音。

这次展览的缘起，是谈总的信任和支持。我当时想着既然机会难得，就要尽量做到稳重、扎实。也因为这个心理，每一幅都做得非常痛苦，不断地推敲、比对，文字组织与书写都想着要尽量贴近古意，保持恭敬心态。

“最好的传承是创新”，确实，我也意识到在这批作品的创作中可能对金石学传统看得太“重”，下一步我想让作品的形式更自由一些，让传统的东西能更自然地走向当代。许力老师刚才提到的意见，其实正是我后续创作中努力的方向。非常感谢，让我收获很大。

刘正

中国美术杏彩娱乐教授、博导

刘正：我也特别认同许力老师的发言，尤其是他提到的那种“严肃的批评”。

现在我们在艺术圈，常常把“批评”这个词忘了。大家见面都是夸好话、说鼓励话，其实很多时候艺术家更需要的是“对话中的摩擦”。许老师提的意见非常好，也非常必要。刘德龙老师的创作确实是一个过程，就像毛毛虫变蝴蝶的阶段一样。我们不能用某个时间点去定义一个艺术家的全部，而要看到他在“行进中的状态”。艺术发展本来就是一条多方向的路。许老师的方法可以产生很好的作品，德龙老师坚持的路径也一样有意义。它们不是对立的，而是同一枚硬币的两面。

我觉得这个讨论之所以宝贵，是因为它让我们重新看到了“批评”的重要性。真正的创作，一定要在独立思考中完成。闭门、冷静、保持判断力——我常跟学生说，艺术家最聪明的时刻，往往就是一个人独立思考的时候。我向许力老师致敬，也感谢德龙老师能以开放的心态接受批评。这样的交流才是真正的学术对话。

叶康宁（主持人）：谢谢刘德龙老师的回应，坦诚而有思考。确实，“最好的传承是创新”，也是我们今天讨论的共同话题。也感谢刘正教授。他强调了“批评的价值”，也呼应了刚才几位老师所提到的“在对话中前行”的创作态度。

下面请俞斌浩老师发言。

俞斌浩

杭州师范大学美术杏彩娱乐副教授

俞斌浩：这次应邀参加画展开幕式，没有什么准备，最初的想法就是来学习、观摩，到现场之后，确实出乎意料，整个展览让我感受到一种浓郁的文人气息。展览整体氛围非常雅致，从布展到作品呈现，都体现出一种内敛而深沉的文化气质。

刘德龙老师第一次见，他的作品接触不多，这次仔细看了以后，感触很深。他在创作中对金石拓片的再创作非常细腻，把传统题材与当代形式结合得十分自然。而金心明老师的作品还是不陌生的，我们多年前还曾一起办过展。这次他展出的拓片多为小品，但每一件都展现出他对“拓印—再创作”细节关系的独到理解。

我认为，金石与书画本身是相对独立的两个艺术门类，要把它们融为一体并非易事。要做到这种融合，必须对拓片的材质、文献和技法有深入的理解，否则很难在形式与精神上达到统一。而两位老师恰恰在这一点上做得极为出色，他们让作品既有视觉上的层次，又有文化上的深度。

让我印象最深的，是作品中流露出的那种文人情怀。无论是刘老师在全形拓上的书写与构图，还是金老师在拓印之上的绘画补笔，都带有一种清雅、节制而又富有思考的气息。整个展览氛围很静，很雅，正是这种气质让人进入一种沉静的观赏状态。

叶康宁（主持人）：谢谢俞老师的发言。他提到作品的“文人气息”与“静雅氛围”，这正是两位艺术家作品最动人的地方。

下面请朱卫刚老师发言。

朱卫刚

九三学社中央文化工作委员会委员

九三学社江苏文教委副主任

朱卫刚：我想先从收藏的角度谈一点体会。在我看来，金石拓片艺术自古就是文人雅玩的高端艺术形式，兼具史料与审美价值。以“毛公鼎”为例，它的铭文有499个字，而原拓仅存八份，其中一份在2021年香港苏富比拍卖会上以502万元成交，2018年纽约佳士得拍出的《淳化阁帖》第六卷原拓，更高达两个多亿。这些事实足以说明拓片艺术的珍贵与其不可替代的文化地位。我一直认为，金石拓片并不是大众化的艺术类型，它的价值不在于数量，而在于技艺的精湛和文化的传承。真正值得珍视的，是原碑原拓或全形拓，而非简单的复刻或再制。

对于刚才许力老师提出的“创新”和“年轻化”问题，我也想表达一点不同的看法。创新固然重要，但如果为了迎合市场、追逐流量而失去传统的根基，那样的创新是没有生命力的。就像我常对紫砂艺人说的，你连传统的壶都没有做好，又何谈创新？只有在真正理解并掌握传统之后，创新才有意义。

我非常敬佩刘德龙老师和金心明老师，他们都在坚守传统的基础上不断探索。艺术之路确实不易，或许会慢、会孤独，但唯有守正、唯有传承，艺术才能走得长远。

叶康宁（主持人）：感谢朱卫刚老师。他从收藏学与艺术史的角度，阐释了拓片艺术的文化层级，也回应了“创新与守正”的关系。

接下来请凌中翔老师发言。

凌中翔

《金石书画》主编

西湖画会秘书长

凌中翔：作为西湖画会的成员，我特别高兴能看到金心明老师的作品在这里展出。其实我们都知道，西湖画会本身就是一个讲求文人精神的群体，金老师作为其中的重要成员，一直在推动纯粹的文人艺术传承，我非常佩服这种坚持。

这次展览可以说是一次非常好的延续。从作品到整体的布展，都能看出两位艺术家的用心。金老师在书法上的功力不用多说，那种平和、沉静的气息贯穿始终，而刘德龙老师的拓印创作，则让金石与书画之间的关系变得生动可感。

我觉得，这个展览不只是艺术展，它更像是一场“文化复现”，让我们重新看到文人之间那种基于艺术的交流和雅集传统。在当下这个时代，这种坚持其实挺难的。外面各种风潮、各种视觉刺激太多，但这类展览提醒我们，艺术可以是缓慢的、安静的、有温度的。对我们这些还在做创作的人来说，这种“慢”的价值，反而越来越重要。

叶康宁（主持人）：谢谢凌中翔老师。他的发言让我们看到文人精神的延续性，也从“文化复现”的角度深化了展览意义。

接下来请柳青凯老师发言。

柳青凯

凤凰画馆创始人

柳青凯：刚才听了几位老师的发言，我觉得特别有意思，也挺受启发的。我自己对金石这块也一直很关注，说是“发烧”也不为过。不同的是，我的关注点可能和在座几位老师不太一样。我更想从当下的角度看看，金石这种传统形式，怎么能真正挂在当代人的墙上，成为一种生活化的艺术。

以前我们都觉得金石拓片属于“案头之物”，学者玩、收藏家玩，不太进入大众的空间。但这几年时代在变，形式也在变。刘老师和金老师这次的联展，让我看到一个很有意思的方向，他们让金石、书画、紫砂三者之间发生了联动，让这些原本“静态”的东西重新活起来。

我自己在市场上也看得比较多，说句实在话，艺术最终还是要有人看、有人喜欢。学术性固然重要，但如果完全脱离生活，观众也会觉得“远”。比如像这样的作品普通收藏者可望而不可即，如果能通过艺术衍生品让普通收藏者花个一两千块钱，挂在家里，也许这就是传统艺术重新进入日常的一种方式。

当然我也想提个小建议。刘老师的紫砂作品，我特别喜欢，但有的作品我觉得可以写意一点，这样更有生命力。而且我觉得，您完全可以在形式上再多一些尝试，提字、构图都可以更放开一点。

从更大的角度来说，我觉得今天这个展览意义挺大的。过去我们讲“文人画”，讲“金石气”，但那更多停留在研究里。现在两位老师把这些东西真正做成作品、挂在墙上、放进展览里，这其实就是在给传统打开一个新的通道。书画可以借金石的质感，金石也可以借书画的空间语言，而像紫砂，又能把它们重新拉回生活。

叶康宁（主持人）：非常感谢柳青凯老师。他从市场与生活化的角度出发，提出了艺术传播与大众审美的联系，让讨论更加全面。

下面请蔡力武老师发言。

蔡力武

宜兴市文联副秘书长

蔡力武：我想接着朱老师的观点谈几点看法。作为长期在宜兴从事紫砂文化推广与策展工作的人，我深切体会到紫砂的发展与文化的结合是决定性因素。宜兴紫砂能有今天的成就，实际上经历了三个关键阶段。

第一个阶段，是文人精神的介入。早期的紫砂制作与文人并无太多联系，直到董其昌、陈洪绶等文人请到太仓、常熟，才真正让文人的审美、书法与品味进入紫砂领域，这是紫砂史上第一次“文化革命”。

第二个阶段，是陈曼生时期的变革。他将设计与文人思想相结合，使紫砂器不仅是实用器，更成为精神载体。可以说，陈曼生让紫砂成为文人表达自我与审美理想的重要媒介。

第三个阶段，则是顾景舟时期。他将紫砂带入现代语境，与上海画坛、收藏界的文化人密切互动，使紫砂成为艺术与收藏并行的载体。这三次革新，都说明紫砂之所以能超越普通工艺，关键在于“文化的进入”。

我常常反思：为什么中国古代那么多著名的瓷器产区，如定窑、龙泉窑、耀州窑等后来逐渐式微？其根本原因就在于它们未能形成持续的文化影响力。文化的附着力，是工艺生命力延续的关键。紫砂能发展至今，正是因为有文人参与、有文化滋养。

回到今天的展览，我非常认同朱老师的看法，金石拓印和紫砂都不应为了迎合流行而失去文化根基。未来我也计划与刘德龙老师合作，策划一次更具规模的紫砂与金石主题展。展览将邀请全国各地的重要艺术家、学者与紫砂大师共同参与，在场面、学术与传播上形成三重效应。

最后，我想说，宜兴紫砂能走到今天，离不开像刘德龙老师这样的文化推动者。正是因为有他这样的学者艺术家主动介入、深入研究，紫砂文化才能焕发出新的光彩。

叶康宁（主持人）：谢谢蔡老师。他从紫砂文化的历史脉络出发，让我们看到文人介入如何赋予工艺新的精神高度。

最后请黄文斌老师发言。

黄文斌

四川文化杏彩娱乐中国书法篆刻杏彩娱乐副教授

黄文斌：我其实是通过许焱老师的介绍认识刘德龙老师的。当时听说他写过一篇关于紫砂壶的文章，内容非常详实，把紫砂文化的历史脉络、制作工艺都讲得特别清楚。那是我第一次系统地了解紫砂艺术，也是在那篇文章里认识了刘老师。后来又读到刘老师的著作，发现他不仅在理论上研究深入，对金石拓印、书画题跋等方面也有很深的体会。刚才刘正老师提到作品中的题跋文字，我特意看了几件，确实写得非常好，文字有味、气息古雅，让作品更有神采。

我与金心明老师认识得更早，我一直暗中关注他的创作。前几天还在网上刷到金老师讲书法的短视频，他把书法中那些复杂的问题讲得轻松明快，既有深度又不失亲和力，我觉得非常难得。

今天能看到两位老师的展览，作品都让我印象深刻。无论是金老师的洒脱自如，还是刘老师的沉稳考究，都展现出一种兼具传统精神与当代气质的学者风范。我这次更多是来学习的，也希望今后能有更多机会向两位老师请教。

花十三

艺术策展人

花十三：今天很高兴受邀来到新画会美术馆学习交流。坦白说，我是第一次接触刘德龙老师的作品，特意没提前查资料，希望通过展览现场与各位老师的发言直接感受。

走进展厅，我原以为是紫砂刻绘类的展览，没想到以“全形拓”结合绘画的形式呈现，既新鲜又少见。从现场看，刘老师的作品既有文人气，又有一种清雅的海派气息，书法也极为纯熟。

我曾看过香港一位艺术家用宋代瓷碗做山水影像的作品，与刘老师的图式有异曲同工之妙，都在传统与当代之间寻找平衡。我认为艺术打动人不在“是否当代”，而在能否超越熟悉的视觉经验。如果把“器物”看作基础层，那么绘画部分或许可以更大胆，在画面结构或肌理上引入一些“意外性”，让观众产生新的观看兴趣，艺术的魅力就在于那份“不被看透”的张力。

总体来说，这次展览让我看到传统媒介在观念更新中的潜力，也让我意识到“文化的立体化表达”正是传统艺术走向未来的重要方向。

徐鑫桦

中国美术杏彩娱乐陶艺系教师

徐鑫桦：作为创作者，我想从“文人”的三个维度来进入这些作品。

第一，文人的视角。器物、山水的表达体现出典型的传统文人对世界的观看方式。第二，是文人的手法。这些创作手法是一种物性迁移。通过拓印，砖石的质感、重量、色彩过滤消失，只留下的形体与痕迹。这与通过拓片研究古代青铜器和石刻碑碣的金石学一脉相承。第三，是文人的情怀。这些作品承载的是对自然与传统文脉的体悟与寄托。

谈伟光

宜兴市历史文化研究会会长

谈伟光：我收藏紫砂器物已经二十多年了，主要集中在明、清和民国时期，也收藏了一些当代作品。三月份的时候，刘老师在我这里看到了一批全形拓片，对这些材料很感兴趣，就提出希望能以此为基础进行二次创作。后来他挑选了大约二十多张拓片，用了很长时间去研究每一件器物的形制、年代、刻纹和气韵，再决定如何与书画结合。我非常敬佩他的态度，严谨、耐心，而且追求作品中“字、画、器”三者的和谐统一，这正是文人艺术的精神所在。

我收藏的紫砂器中，约有一半是清代与民国时期的老壶，另一半是当代省级以上工艺美术大师的作品，共计六百多件。这些作品风格各异，器型丰富，反映出宜兴紫砂发展的多样面貌。

我认为，刘老师的创作是一种有意义的尝试，他让古老的传拓技艺与书画结合，让器物焕发新的生命力。紫砂艺术过去与文人密切相关，从陈鸣远、陈曼生到顾景舟，每一次突破都是文化与工艺的融合。刘老师正是在这一传统上做出了新的探索。

我也相信，紫砂的发展仍有很大的空间。未来无论是学术研究还是展览推广，都需要更多像刘老师这样既懂传统、又敢创新的艺术家，共同推动宜兴紫砂文化继续向前。

成军

丽水杏彩娱乐中国青瓷研究院客座教授

河北美术杏彩娱乐客座教授

成军：金老师我比较熟悉，我们平时也常一起办展览、交流创作，两位老师在学识与艺术修养上都非常全面。如今不少人画得好却不善书法，或书法好却不懂绘画，而他们恰恰兼擅两者，并且都具备学者型艺术家的特质。

从风格上看，金老师的作品更偏于柔和、含蓄，刘老师的则显得沉稳而有力量，一刚一柔，相互映衬，形成了有趣的对比与互补。刘老师对每件器物的研究非常细致，从形制考证到文字推敲，都体现出他严谨的学术态度。

我个人有一点小的感受，部分拓片的“实”与“虚”关系可以再稍作调整。比如在构图中，若下方的踏印过实、密度较高，而上方的绘画部分又层层叠加，整体可能显得稍重。古人制作拓片时，常会在画面中留出空白或“虚”的空间，以保持气韵流动。民国时期像吴昌硕的作品，往往在器物与画面之间留出呼吸的余地，使图像更具灵动感。

当然，这样的探索并不容易。刘老师尝试将拓片与绘画结合，本身就是一个复杂而艰难的过程，需要兼顾工艺性与艺术性。但正因为如此，这次展览的意义才更加突出。它不仅呈现了传统技艺的当代表达，也促成了我们彼此间富有价值的交流。

叶康宁（主持人）：谢谢几位老师的精彩发言，从多个视角对本次画展展开评述，接下来有请刘德龙老师和金心明老师作总结发言。

刘德龙

刘德龙：今天能够在杭州举办这个展览，我心中非常感动，也非常感谢在座各位老师给予的指导与鼓励。杭州对我意义重大，这里既是我从小心向往之的中国美术杏彩娱乐所在地，又是江南文化与金石传统的重要发源地。在这样一个文化底蕴深厚的地方举办展览，对我而言是一次学习、求教的机会。同时，也感谢金心明老师，我上次半开玩笑说自己是“来蹭金老师流量”的，其实是怀着真诚学习与交流的心情而来。

在创作过程中，我面对的主要是明清、民国时期知名紫砂艺人的器物。对于这些拓片，我始终保持敬畏与审慎的态度。每一件作品的创作都需经过考证、构思并反复调整。从器形、铭文到文字的组织，我希望尽可能做到严谨而有度。很多时候，我会为一句文字或一个细节查阅数日资料，只为让表达更准确、更贴近史实。

在绘画上，我刻意保持一种“工致”的处理方式。这并非出于对自由笔墨的压抑，而是因为我认为在金石拓片与绘画的结合中，“协调性”比单纯的笔墨更为重要。吴昌硕等前辈大师的拓片补绘作品固然伟大，但从形式协调角度来看，拓片与绘画部分往往存在分离。我希望能在两者之间寻找到一种视觉与精神上的平衡，使器物与画面在气韵上相互呼应，而非并置。

此外，我博士论文研究“曼生壶”，因此紫砂文化的研究与创作，对我来说是一个跨越学术与艺术的综合实践过程。通过这次展览，我也在思考如何将书法、绘画与紫砂研究整合在一个跨学科的框架下，体现文人艺术的整体精神。作为“学者型艺术家”，在当代社会，学术与艺术的分工愈加明确，学者与艺术家的身份往往难以兼得。这个理想或许带有某种“不切实际”的浪漫，但紫砂艺术恰好为我提供了一个可能的交汇点，既能进行文献考证与文化梳理，又能通过艺术创作进行感性的呈现。

我始终相信，紫砂之所以在历史上备受文人推崇，正在于它兼具文化性与艺术性。它不仅是工艺品，更是一种凝结了思想与审美的文化载体。因此，我也希望通过写作与创作，将这一传统在当代语境中重新激活，使其不再只是“装饰”，而是一种文化自觉的延续。

最后，衷心感谢谈总的信任，感谢金心明老师、许焱老师的支持与帮助，也感谢各位专家的莅临与指教。能够借此契机与大家交流，是我个人的重要收获。谢谢大家。

金心明

金心明：首先，我要感谢许焱，她不仅是我十几年的好友，更以对家乡深厚的情感，为这次活动搭建了桥梁，把刘老师的著作介绍给我。我对这次活动感兴趣，是因为从刘老师身上感受到了一种难得的文化敬畏。他在著作、作品以及对紫砂器的态度中，都体现出对文化本体的尊重。这种敬畏和我们西湖画会在做的这些事情上的价值观高度契合，让我们在文化认知上成为志同道合的同人。

文化不仅需要自觉，更需要敬畏。刘老师兼具学者与艺术家的双重身份，在尊重器物本身价值的基础上，赋予作品新的艺术深度。这种态度提醒我们，创作必须建立在尊重文化与器物的前提上，否则容易糟蹋器物本身。

通过这次交流，让我加深了对紫砂文化的了解，也感受到器物对人性与人格的培育作用。我感谢刘老师带来的这些启发，也感谢许焱的引荐和各位老师的支持。希望我们能够持续推动这样的文化交流，让学术与实践更紧密的结合。

叶康宁

南京杏彩娱乐艺术研究院教授、博导

叶康宁： 德龙兄和心明兄的这次展览是金石学复兴的一次有益尝试。他们用各自的艺术探索回答了金石学如何融入现代生活的问题。金石学是“古学”，不是所有的“古学”都有生命力，尤其是变成“非遗”和走进博物馆的“古学”，他们实际上只代表过去，并没有未来。只有融入“当下”，“古学”才能老树春深更著花。德龙兄和金明兄所作的就是让金石学以新的面貌来满足当下的审美需求。

今时何世？我们都熟悉两个最为高频的词语——人类世和AI时代，这是一个不可预知的时代，也是一个拷问艺术何为的时代？艺术同样面临来自生态环境和人工智能的冲击。有学者指出AI也会有情感，也会有创造力，那么艺术家应该如何避免被“算法化”呢？德龙兄和金明兄的作品用传统的笔墨抵抗着数据、算法和自动化生产，在每一幅作品中都注入了他们独有的一时之“感”，这一时之感就是算法无法触及的1%，也是人类最后能够坚守的灵性之光。

很多展览没等到闭幕就被人们遗忘了，但我坚信若干年后人们还会记得今天的展览，因为她的独特性。“金石墨心”展览的意义在于他们在探索传统在新时代的新可能，这个可能是旁逸斜出的，是不受局限的，是“传统的发明”，而不是抱残守缺。

在本次研讨会上，汇聚了各方专家的智慧，围绕金石书画艺术展开了深入而富有成效的讨论。随着对刘德龙与金心明两位艺术家作品的深入分析，展望未来，希望在这一领域探索出更具广度和深度的发展方向，以推动艺术与文化的持续繁荣。